Michel Campeau   „#0310“ aus der Serie „Darkrooms“

Seit 2003 reist der kanadische Fotograf Michel Campeau um die Welt, um Dunkelkammern zu fotografieren. Diese Handwerkskammern der analogen Fotografie, in denen mit Hilfe von Chemie und silberhaltigem Papier Ikonen der Bildgeschichte geschaffen wurden, erscheinen heute wie Versatzstücke einer vergangenen Zeit. Martin Parr, der die Serie in seiner Editionsreihe bei Nazraeli Press veröffentlichte, schrieb über die Arbeit: „Most photographers have spent hours and days in that peculiar environment known as the darkroom. Here, prints are magically created using chemicals and light. Campeau's photographs show the passing of an era. As digital production takes hold to a greater and greater extent, we will look back at these images and mourn the darkroom’s passing.“

Since 2003, Canadian photographer Michel Campeau travels the world to photograph darkrooms. These chambers of analog photography, where icons of picture making were crafted through the use of chemicals on silver gelatin paper, today seem like allusions to a time long gone. Martin Parr, who published the work in his editorial series at Nazraeli Press, wrote about it: "Most photographers have spent hours and days in that peculiar environment known as the darkroom. Here, prints are magically created using chemicals and light. Campeau's photographs show the passing of an era. As digital production takes hold to a greater and greater extent, we will look back at these images and mourn the darkroom’s passing."

Michel Campeau   „#7987“ aus der Serie „Darkrooms“

Anna Gripp schrieb in PHOTONEWS (Nr. 10/10): „Michel Campeau betrachtet die kleine Welt des miefigen Labors wie ein Universum, in dem alles möglich ist. Seine Laboransichten sind im faktischen Sinne dokumentarisch, doch in dieser Interpretation als selbstständige Werke zu betrachten, (...). Einige der Bilder erinnern an Gemälde bekannter Maler, andere schaffen es, banalste Situationen zu einem visuellen Ereignis wachsen zu lassen.“

Anna Gripp wrote about the work in PHOTONEWS (10/10): "Michel Campeau looks at the small world of a stuffy lab as if it was a universe, holding every possibily. His images of darkrooms are in fact documentary, but in their interpretation they are to be regarded as autonomous works of art. (...) Some of the images are evocative of a painting by an old master, others succeed to ascent the most vernacular object to a visual event."

Michel Campeau   „#0258“ aus der Serie „Darkrooms“

MICHEL CAMPEAU, 1946 geboren, lebt und arbeitet in Montreal, Kanada. Seine Arbeit wurde bereits intensiv international ausgestellt und veröffentlicht, die Serie DARKROOMS zuletzt auf dem New York Photography Festival und bei den Rencontres de la Photographie in Arles.

MICHEL CAMPEAU, born 1946, lives and works in Montreal, Canada. His work has been exhibited and published internationally, his series DARKROOMS for instamce at the New York Photography Festival and the Rencontres de la Photographie in Arles.

Michel Campeau   „#0130“ aus der Serie „Darkrooms“

Michel Campeau   „#3279“ aus der Serie „Darkrooms“

SCHAURAUM BERLIN
Die Robert Morat Galerie in Hamburg beschäftigt sich mit neuen Positionen in der zeitgenössischen Fotografie und mit Fotografie des 20. Jahrhunderts. Im Oktober 2010 eröffnete die Galerie zusätzlich einen Schauraum in Berlin. Hier werden Ausstellungen von Künstlern der Galerie gezeigt werden, aber auch Buchpräsentationen und Artist Talks veranstaltet.

Der Raum ist samstags von 12.00 - 18.00 Uhr geöffnet und nach Terminvereinbarung.

PROJECT SPACE BERLIN
The Robert Morat Gallery in Hamburg focusses on new positions in contemporary photography and photpgraphy of the 20th century. In October 2010 the gallery opened it's project space in Berlin, showing alternating exhibitions by represented artists, book presentations and artist talks.

The space is open Saturdays 12 - 6pm and by appointment.

NEWSLETTER
Wenn Sie in Zukunft über Ausstellungen und Aktivitäten im Schauraum informiert werden möchten, schreiben Sie uns bitte eine kurze E-Mail an: berlin@robertmorat.de
To stay in touch and receive regular information about exhibitions and activities at the project space, please send a quick e-mail to: berlin@robertmorat.de

Robert Morat Galerie
Schauraum Berlin
Kleine Hamburger Str. 2
10115 Berlin – Germany

Telefon +49 172 4348781
berlin@robertmorat.de
www.robertmorat.de

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REVIEW

Paul Kranzler   „Walther P38“, Ybbsitz, 2008

Nach „Land of Milk and Honey“ (2005) und „Tom“ (2007), legt Paul Kranzler mit „Brut“, erschienen im Verlag Fotohof, Salzburg, bereits seine dritte Buchveröffentlichung vor. Wie schon in vorangegangenen Serien, erstellt Kranzler ein dokumentarisches Portrait eines Ortes oder einer Gruppe von Menschen, in diesem Fall der eigenen Familie und der eigenen engsten Umgebung, der eigenen „Brut“: „Es sind Bilder von Orten und Menschen die ich schon lange kenne, egal ob blutsverwandt oder anverwandt. Und Orte und Menschen welche jene, die ich kenne, kennen, und Menschen die ich nicht kenne, an Orten die mir seit langer Zeit bekannt sind.“

Paul Kranzler   „Vaters Diaprojektion im Wohnzimmer von Bildern
seiner USA-Reise in den 70ern", Hörsching, 2008

After "Land of Milk and Honey" (2005) and "Tom" (2007), Paul Kranzler presents his third international book publication "Brut", published by Fotohof Publishers in Salzburg. As in his former series, Kranzler crafts a documentary portrait of a place or a group of people, in this case his own family and closest environment, his own "brood" (Brut). "These are images of places and people that I have known for a long time, whether related by blood or not. Also, there are places and people that those who I know, know and also people whom I don't know in places that I have known for a long time.“

Paul Kranzler   „Gregor trainiert sein Turnierpferd Dusty“, Ybbitz, 2008

„Man wird so wie man ist in seiner Umgebung. Verwandte sind Bestandteil der genetischen Umgebung und Unverwandte die zu Verwandten werden sind überhaupt die nächste Umgebung. Die Menschen und Räume und Landschaften der persönlichen Umgebung sind ja auch die meistfotografierten Motive der Welt. Vielleicht ist die persönliche Umgebung vierdimensional - der dreidimensionale Raum und die vierte Dimension, die diesem Lebens- oder Menschen-Raum anhaftende Emotion.“ (Paul Kranzler)

„You are who you are through your environment. Relatives are a part of our genetic environment and those who are not related but become relatives are the closest environment of all. The people and spaces and landscapes in our personal surrounding are also the most photographed motifs. Maybe the personal environment is four dimensional - the three dimensions of space, plus the fourth dimension, the emotion attached to that space of life or of people. " (Paul Kranzler)

Paul Kranzler   „Großmutter Lamplmayr Maria im Stall“, Gutau, 2008

PAUL KRANZLER, geboren 1979, studierte an der Universität für künstlerische und industrielle Gestaltung in Linz. Seine Arbeit wird international ausgestellt und publiziert und findet sich in wichtigen öffentlichen Sammlung wie der Albertina oder der Fotografischen Sammlung im Rupertinum in Wien.

PAUL KRANZLER, born in 1979, studied at the University of Art and Design in Linz. His work is exhibited and published internationally and is found in important public collections such as the Albertina or the Photographic Collection at the Rupertinum in Vienna.

Paul Kranzler   „Das Haus der Familie Reumayr“, Hörsching, 2007

Werner Amann aus der Serie „American“

Die Robert Morat Galerie freut sich sehr, in ihrem Schauraum in Berlin die beim FotoBookFestival Kassel 2010 ausgezeichnete Serie „American“ von Werner Amann zu präsentieren.

Die Jury des Fotobuch-Preises in Kassel unter dem Vorsitz von Martin Parr schrieb damals zur Begründung:
„Dem Fotografen gelingt es, in leichten und doch dichten, ausdruckstarken Bildern ein Stück amerikanischer Seele einzufangen, komponiert zu einem fließenden Essay aus Dokumentation und Poesie.“ Die Serie wurde im Verlag Seltmann+Söhne publiziert.

Werner Amann aus der Serie „American“

The Robert Morat Gallery is thrilled to be presenting "American" by photographer Werner Amann at it's showroom in Berlin.

The series won last year's FotoBook Award in Kassel and in it's statement, the award jury chaired by Martin Parr wrote:
"Through his strong, intense images, the photographer succeeds in capturing the American soul in a flowing essay composed of documentation and poetry." The series has been published by Seltmann+Söhne.

Werner Amann aus der Serie „American“

„Werner Amanns Serie ist eine visuelle Auseinandersetzung mit den Menschen und Landschaften Amerikas. Amann entwickelt dabei eine Bildsprache, in der cineastische Klischees auf zerbrechliche und intime Momente treffen, er konzentrieren seine Bilder auf die Augenblicke ‚dazwischen’ – ein flüchtiger Blick, wartend auf einem Parkplatz, ein ausgelassener Moment unter Freunden. Am Ende kombiniert AMERICAN eine romantische Wahrnehmung Amerikas mit einem natürlichen, objektiven Blick. Dieser Spannungsmoment bewirkt, dass die Fotografien nicht nur ein Dokument ihrer Zeit sind, sondern in ihnen auch ein Lebensgefühl bewahrt wird." (Cornelia Thonhauser)

Werner Amann aus der Serie „American“

“Werner Amman's series is a visual examination of the American people and landscapes. Amman develops his imagery by juxtaposing cinematografic clichees, prefabricated images and authentic, fragile, personal moments, focussing on the in-between-situations of the everyday - a fleeting glance, a mum waiting on a car park, a frisky moment among friends. In the end, AMERICAN combines a romanticized perception of America and an objective, documentary eye. The moment of friction of these two makes for these photographs to not only document it's time, but to capture an attitude to life.“ (Cornelia Thonhauser)

Werner Amann aus der Serie „American“

WERNER AMANN, geboren 1969, studierte Visuelle Kommunikation an der FH Dortmund und an der London School of Printing. Seine Arbeit wurde bereits international ausgestellt und ausgezeichnet. Werner Amann lebt und arbeitet in Berlin.

WERNER AMANN, born 1969, studied at the FH Dortmund and at the London School of Printing. His work has already been exhibited and awarded internationally, he lives and works in Berlin.

Werner Amann aus der Serie „American“

Werner Amann aus der Serie „American“

Jessica Backhaus  „Longing for the Unknown“
aus der Serie „What still remains“

JESSICA BACKHAUS gilt heute als eine der wichtigsten Vertreterinnen zeitgenössischer Fotografie aus Deutschland. Ihre Arbeit wird international ausgestellt und publiziert und findet sich in wichtigen privaten und öffentlichen Sammlungen wie dem Museum of Fine Arts, Houston, der Margulies Collection in Miami oder der Sammlung der Deutschen Börse in Frankfurt. Jessica Backhaus, 1970 geboren und in Berlin aufgewachsen, studierte Fotografie und Visuelle Kommunikation in Paris. Sie nennt Gisèle Freund als ihre wichtigste Lehrerin und Mentorin in dieser Zeit. Nach ihrem Studium, zwischen 1995 und 2010 lebte sie in New York; seit dem vergangenen Jahr lebt und arbeitet Jessica Backhaus wieder in ihrer Heimatstadt Berlin.

Jessica Backhaus  „Ballons“ aus der Serie „One Day in November“

Im Jahr 2005 veröffentlicht der Kehrer Verlag, Heidelberg, Jessica Backhaus' erstes Buchprojekt „Jesus and the Cherries“, das auch ihre ersten internationalen Ausstellungserfolge als Fotokünstlerin markiert. im Jahr 2008 folgen zwei weitere Publikationen: „What still remains“ und „One Day in November“. 2010 legt Jessica Backhaus ihr viertes Buch „I wanted to see the World“ vor, ebenfalls erschienen im Kehrer Verlag. Die Ausstellung WERKSCHAU im SCHAURAUM BERLIN zeigt Arbeiten aus allen vier bisher veröffentlichten Serien und unternimmt den Versuch eines Querschnitts aus Jessica Backhaus' Arbeit der vergangenen zehn Jahre.

Jessica Backhaus  „Roses and Cables“
aus der Serie „What still remains“

Jessica Backhaus  „Violetta by the Lake“
aus der Serie „Jesus and the Cherries“

JESSICA BACKHAUS is regarded as one of the most distinguished voices in contemporary photography in Germany today. Her work is exhibited and published internationally and found in important collections, both public and private, such as the Collection of the Museum of Fine Arts, Houston, the Margulies Collection in Miami or the Deutschen Börse Collection in Frankfurt. Born in 1970 and raised in Berlin, she studied photography and visual communication in Paris. She refers to Gisèle Freund as one of her most important teachers and mentors during that time. From 1995 to 2010, Backhaus lived in New York; last year she has moved back to her home town and is now living and working in Berlin.

Jessica Backhaus  „untitled #49“
aus der Serie „I wanted to see the World“

In 2005, Kehrer Books, Heidelberg, published her first book "Jesus and the Cherries", which also marks her first international success as an exhibiting artist. In 2008 two new publications were put out: "What still remains" and "One Day in November". And in 2010, Jessica Backhaus presented her latest publication "I wanted to see the World", also published by Kehrer Books. The exhibition titled WERKSCHAU at the SCHAURAUM BERLIN will feature works from all four previously published series and will attempt a survey of Jessica Backhaus' work during the last 10 years.

Kai-Uwe Gundlach  „Shibuya“ aus der Serie „EDO“

Aus der Vielzahl von Erscheinungen in der urbanen Welt von Tokyo, fokussiert Kai-Uwe Gundlach (geb. 1966) drei Aspekte und unternimmt den Versuch, in drei Kapiteln ein modernes Bild der Großstadt zu zeichnen. METRO folgt der von Walker Evans begründeten Tradition von unbemerkt erstellten Portraits mitreisender U-Bahnpassagiere, PYLONS untersucht die skulpturale Qualität von Strommasten in der urbanen Landschaft und SHIBUYA erzählt von einem Ort, der berühmtesten Strassenkreuzung der Stadt und der täglich millionenfachen anonymen Begegnung einsamer Menschen in der Masse. „Dabei,“, so schreibt Georg Diez im Magazin der Süddeutschen Zeitung am 28. Mai 2010 über die Arbeit, „erzählt Gundlach nicht die klassische kulturpessimistische Geschichte vom Elend des Einzelnen in der Moderne. Er zeigt ganz einfach, wie Einsamkeit sich heute anfühlt. (...) Man kann diese Bilder als meditativ empfinden oder als bedrohlich leer, als ästhetische Antwort auf ein existenzielles Vakuum oder als Dokumente des schwindenden Selbstbewusstseins des Westens zu Beginn des 21. Jahrhunderts. Darin beweisen sie ihre analytische, fast seherische Dimension. Diese Fotos erzählen nicht nur von Shibuya. Wenn wir genau hinsehen, erkennen wir uns selbst in ihnen. Sie sind Spiegel in unsere Zukunft.“

From the numerous phenomena of urban life in Tokyo today, Kai-Uwe Gundlach focusses on three aspects, thus drawing an image of life in a modern metropolis in three chapters. METRO follows the tradition of Walker Evans' unnoticed snap shot portraits of fellow subway passengers. PYLONS investigates the sculptural quality of electrical poles in the urban landscape and SHIBUYA tells of a place, the city's most famous street intersection, where millions meet every day anonymously, lonely within the masses. "In doing so", writes Georg Diez in his piece on the series, published in Süddeutsch Zeitung Magazin on May 28 2010, "Gundlach is not telling the often heard, pessimistic story of the fading of our culture and the loneliness of the individual in modern times. He simply documents how loneliness feels today. (...) One could regard these images as ruminant or as threateningly empty or as a document of the evanecent self-esteem of the West at the dawn the of the 21. century. These images are thus proving their analytical, almost visionary quality. These photos not only tell of Shibuya. Looking closely, we will recognize ourselves. They are mirrors into our future."

Kai-Uwe Gundlach  „Pylons“ aus der Serie „EDO“

Die Ausstellung begleitet die Veröffentlichung der Monographie „EDO – Three Chapters of Tokyo“
im Verlag White Press, Köln.

The exhibition accompanies the publication of the monograph "EDO - Three Chapters of Tokyo"
by White Press publishers, Cologne.

Kai-Uwe Gundlach  „Metro“ aus der Serie „EDO“

Ausstellung im neuen Schauraum Berlin der Robert Morat Galerie
Eröffnung am Freitag, den 01. Oktober 2010 um 18.00 Uhr

Exhibition at the new Project Space Berlin of Robert Morat Gallery
Opening Reception on Friday, October 1 2010 at 6pm

Simon Roberts  South Downs Way, West Sussex, 8th October 2007

WE ENGLISH
Für seine Serie von großformatigen Landschaftsaufnahmen reiste der britische Fotograf Simon Roberts (geb. 1974) zwischen August 2007 und September 2008 ein Jahr lang in einem Wohnwagen quer durch England. Er zeigt seine Landsleute bei unterschiedlichen Freizeitbeschäftigungen und findet Schönheit im Alltäglichen. Das Ergebnis seiner Arbeit ist eine elegische Untersuchung über Identität, Heimatverbundeheit und, formal, über das Verhältnis von Figur und Landschaft. Dies ist einer der wichtigsten Beiträge zur englischen Fotografie der letzten Jahre. (Chris Boot, Verleger)

WE ENGLISH
Simon Roberts, born 1974, travelled throughout England in a motorhome between August 2007 and September 2008, for this portfolio of large-format tableaux photographs of the English at leisure. Photographing ordinary people engaged in a variety of pastimes, Roberts finds beauty in the mundane; the result is an elegiac exploration of identity, attachment to home and land, and the relationship between people and place. This is the most significant contribution to the photography of England in recent years. (Chris Boot, Publisher)

Simon Roberts  Camel-Estuary, Padstow, Cornwall, 27th September 2007

SIMON ROBERTS, geboren 1974, studierte Kulturgeschichte und Photographie an der Sheffield University und fand internationale Beachtung mit der Veröffentlichung seiner ersten Publikation "Motherland" (2007). Seine Arbeit wurde bereits international ausgezeichnet und ausgestellt, unter anderem im Museum of Contemporary Photography in Chicago, dem Museum of Contemporary Art in Shanghai und zuletzt mit einer großen Einzelausstellung im National Media Museum in Bradford, England gewürdigt. Arbeiten von Simon Roberts finden sich in wichtigen Sammlungen wie der Deutsche Börse Art Collection, dem George Eastman House und dem Wilson Centre for Photography. Simon Roberts lebt und arbeitet in London.

SIMON ROBERTS, born 1974, studied Human Geography and Photography in Sheffield. He gained international reputation with the publication of his first book "Motherland" (2007). His work has been awarded and exhibited internationally, among others at the Museum of Contemporary Photography in Chicago, the Museum of Contemporary Art in Shanghai and, just lately, in a large solo presentation at the National Media Museum in Bradford, England. His work is found in important collections such as the Deutsche Börse Art Collection, the George Eastman House and the Wilson Centre for Photography. Simon Roberts lives and works in London.

Simon Roberts Mad Maldon Mud Race, River Blackwater, Maldon,
Essex, 30th December 2007

Sonderausstellung im Schauraum Berlin
präsentiert von der Laurence Miller Gallery, New York
Eröffnung am 01. Oktober 2010 um 18 Uhr

Special Guest Presentation at the Project Space Berlin
by Laurence Miller Gallery, New York
Opening reception on October 1 2010 at 6pm

Helen Levitt New York, ca. 1940

HELEN LEVITT: NEW YORKERS ist eine 30 Arbeiten umfassende Ausstellung von bekannten, aber auch noch nie zuvor ausgestellten Fotografien, die zwischen 1938 und 1945 in New York entstanden sind. Helen Levitt, die von vielen als die Dichterin unter den New Yorker Strassenfotografen gesehen wird, fängt hier das Leben ein, wie es sich auf New Yorks Strassen abgespielt hat, bevor Fernsehen und Klimaanalgen die Menschen in ihren Häusern hielten. Levitts Fotografien funktionieren hier wie ein Kammerspiel, sie feiern Frauen im Gespräch und Kinder beim Spiel, sie sind eher Tanz als Sozialstudie, eher Theater als Dokumentation.

Helen Levitts Fotografien wurden noch nie zuvor in einer Einzelpräsentation in Berlin ausgestellt. Ein Highlight der Ausstellung werden eine Reihe von ihren „first proofs“ sein. Kleine Abzüge, Studien, die Levitt in ihrer Badezimmer-Dunkelkammer erstellt hat, um aus ihnen ihre besten Arbeiten auszuwählen und zu editieren. Gemeinsam ausgestellt, verraten diese frühen Bilder Levitts eigenen „Tanz“, wenn wir die unterschiedlichen Blickpunkte und Perspektiven kennen lernen, die Untersuchung eines Gesprächs oder von Kindern beim Spiel – auf der Suche nach der perfekten Bildkomposition.

Helen Levitt New York, ca. 1940

HELEN LEVITT: NEW YORKERS is a thirty print exhibition featuring both classic and never before exhibited photographs taken in New York City between 1938 and 1945. Considered by many the quintessential poet of the streets of New York, Helen Levitt lyrically captured life on the street, at a time before television and air conditioning kept people inside. These intimate black and white prints celebrate women in conversation and children at play. They are more dance than social narrative, more theater than document.

This will be the first one-artist-presentation of Helen Levitt’s work in Berlin. A highlight of the exhibition will be a suite of her “first proofs,” small prints which Levitt made in her bathroom darkroom as studies from which she would edit and choose her finest images. Seen together, these earliest images reveal Levitt’s own dance, as we assume her multiple vantage points and witness her exploring a conversation, or a child’s game, in pursuit of the perfectly balanced composition.